Natura e cultura

Dopo aver viaggiato in Europa, Africa e Asia, oggi attraverseremo l’Oceano Atlantico per approdare sulla East Coast. Destinazione: il North Carolina, uno dei primi tredici Stati fondatori degli U.S.A.

Prima della colonizzazione, quest’area era abitata da diverse tribù di nativi americani, compresi i Cherokee, i Shawnee e i Mississippiani. Con l’arrivo dei coloni europei nel 1500, la cultura nativa fu fortemente influenzata, fino a trasformarsi in una subcultura americana, a seguito dell’indipendenza dell’America dalla Gran Bretagna nel 1789. Ad attrarre gli europei, furono le grandi risorse di legname della regione. Ancora oggi, infatti, le foreste coprono quasi il 60% della Carolina del Nord, rendendola una dei maggiori produttori di mobili degli Stati Uniti. Il soprannome stesso con cui viene comunemente chiamata, lo Stato di Tar Heel, evoca i tempi in cui la Carolina del Nord era uno dei principali produttori di forniture per l'industria navale. In passato, i lavoratori della regione erano noti per essere venditori di catrame, pece e trementina ottenuta dai pini a foglia lunga. La leggenda narra che quando i soldati britannici approdarono sulle coste della Carolina del Nord, rimasero letteralmente appicciati al suolo, rallentando notevolmente il ritmo della conquista. In realtà il soprannome tallone di catrame si deve al fatto che gli operai addetti alla lavorazione del catrame, della trementina e della pece, spesso andavano scalzi durante i caldi mesi estivi, raccogliendo i liquidi oleosi di colore scuro sotto la pianta dei piedi. Durante la Guerra Civile, i soldati della Carolina del Nord trasformarono questo epiteto in un’espressione di orgoglio statale. Un altro vanto del North Carolina è l’aver mantenuto, praticamente intatte, quelle foreste in cui già 10.000 anni fa i cacciatori e i raccoglitori vagavano alla ricerca di cibo e di riparo. Il legno è un elemento inscritto nel DNA di ogni abitante della regione. Oggi incontreremo un artista che è cresciuto in North Carolina e che grazie alla sua creatività e abilità, ci permette di meditare sul rapporto uomo-ambiente, una riflessione che si inscrive pienamente nella costruzione epistemologica delle categorie natura-cultura, sviluppatasi in seno al pensiero moderno occidentale. Lui è il land artist Patrick Dougherty, soprannominato anche Stickman e il Jackson Pollock degli alberelli.

Attraverso l’intreccio di rami e lo studio di tecniche costruttive primitive, Dougherty realizza sculture simili a rifugi primordiali carichi di fantasia e di energia visiva. I suoi gesti, le sensazioni e il suo sforzo fisico, divengono parte integrante delle sue opere, rese uniche dal connubio perfetto tra la sua idea e le caratteristiche dell’ambiente circostante. Il reperimento della materia prima nel rispetto dell’ambiente, è una sfida costante, oltre che parte dell'avventura della creazione artistica che porta Patrick Dougherty a setacciare angoli dimenticati del mondo dove le piante crescono selvagge e piene di possibilità. Tratto distintivo del lavoro di Dougherty è il coinvolgimento nel processo costruttivo di volontari eterogenei, una vera innovazione che rende ancora più originale, se possibile, il suo agire artistico.

Patrick, sei nato in Oklahoma, ma sei cresciuto nel North Carolina, un luogo in cui la natura è parte integrante sia del paesaggio, che della cultura. Quanto ha influito sulla tua arte questo contesto naturale-culturale?

La mia infanzia nei boschi del North Carolina è stata determinante. Tra quei boschi ho fatto le mie prime incursioni a caccia di ramoscelli. Ricordo che con i miei fratelli e le mie sorelle scavavamo dei boschetti viventi per ricreare una sorta di casa, con camere da letto, cucina e molto altro. Mentre alcuni bambini stavano sdraiati nei campi per studiare i dettagli architettonici delle nuvole, io ho reagito con la qualità del disegno del paesaggio invernale, ovvero tutte quelle linee sui rami superiori degli alberi. Mi immaginavo forme e a volte scarabocchi. Quando in seguito mi sono rivolto alla scultura, mi è sembrato facile cooptare le forze della natura e riprodurre uno stile di disegno naturale sulle superfici delle mie grandi opere gestuali. Tutto il mio sforzo per diventare uno scultore da adulto, combaciava con un sogno segreto d'infanzia di diventare un artista. Come altri bambini ho realizzato fortini con pezzi di legno e probabilmente questa sperimentazione ha diretto la mia scelta dei materiali come artista. A quei tempi raccogliere un bastone e piegarlo sembrava darmi grandi idee e, una volta cresciuto, sono stato in grado di capitalizzare quegli impulsi infantili. Penso che, come esseri umani, portiamo con noi una sorta di know how come eredità del nostro passato di caccia e raccolta.

Quale credi che sia il compito di un artista?

Credo che il compito di un artista visivo sia quello di creare qualcosa che induca gli spettatori a correre. L’artista deve costruire un'illusione così avvincente da incoraggiare la partecipazione. Penso che una buona scultura sia quella che evoca nello spettatore una ricchezza di associazioni personali. Nel mio caso specifico, molti di loro pensano ai loro alberi preferiti, alle storie sul Giardino dell'Eden e ai primi appuntamenti segreti lontano dagli occhi indiscreti dei genitori. Personalmente mi piace usare gli alberelli come linee con cui disegnare e suggerire sulla superficie della scultura il potente slancio del vento, dell'acqua e delle forze nascoste del mondo naturale. La cosa più importante è che le persone amino esplorare forme strane e spazi nascosti, soprattutto se li incontrano in punti improbabili.

Qual è la filosofia della tua arte?

Descrivo la mia arte dicendo che eseguo lavori temporanei costruiti in loco con materiali raccolti nel paesaggio circostante. Sono convinto che un’installazione scultorea costruita sul posto, debba fondersi e risuonare con l'ambiente circostante. Infine, credo nell'accessibilità. Per me la fase di costruzione di tre settimane è un'opportunità per interagire con la comunità e iniziare una conversazione con gli utenti abituali di quello spazio. Lavorare otto ore al giorno sul posto è come uno scambio culturale in cui l'energia di quelle persone e di quel luogo sono ripiegate nella scultura stessa.

Le tue opere sono costruite principalmente con bastoni di legno, un materiale decomponibile. Che rapporto hai con il concetto di temporalità?

Trovo molto interessante il lavoro temporaneo. Uso materiali effimeri che sbiadiscono e alla fine si disintegrano. Rispondo alle idee di cicli di vita, declino e rigenerazione. 

Quali sono le fasi del processo creativo? La natura ti guida o viceversa?

Lavoro da un concetto che sviluppo studiando il sito. Uso spesso i dettagli nella mia visione periferica come guida. Ad esempio, una linea di montagne in lontananza o la forma di una siepe vicina, potrebbero promuovere una nuova idea. Inizialmente creo associazioni di parole con il luogo e poi sviluppo una serie di schizzi in miniatura. Questi non sono rendering riga per riga e durante il processo di costruzione devo spesso leggere questi schizzi sciolti, dicendo a me stesso: "Oh, devo aver pensato questo". Un grande vantaggio di lavorare in cantiere, una riga alla volta, è la possibilità di adattare la scala del lavoro al sito. Man mano che conosco il sito e ne prendo la misura completa, adeguo costantemente il lavoro per adattarlo a qualsiasi nuova rivelazione. Una volta stabilito il concetto, il lavoro effettivo procede molto rapidamente. Le sculture richiedono generalmente tre settimane per essere completate. Inizio trovando una buona fonte di alberelli nelle vicinanze, spesso sfruttando il desiderio di qualcuno di tenere curata la propria proprietà. La tecnica di costruzione effettiva è un processo di stratificazione e, nella prima fase, tiro un bastoncino attraverso l'altro e costruisco una matrice casuale per creare la forma grezza della scultura. Seguono le fasi di disegno, in cui immagino una pila di bastoncini come un fascio di linee con cui tracciare la trama della superficie. Uso molte delle convenzioni di disegno che solitamente vengono impiegate anche con i tradizionali disegni a matita. Inoltre, ho imparato ad accumulare le estremità più piccole dei bastoncini in una direzione che dà l'impressione che la superficie si muova. Il passaggio finale è il "fix up", un trattamento cosmetico in cui cancello alcuni errori coprendoli con ramoscelli molto piccoli.

''Vedo il mio lavoro come spinto dalla preoccupazione delle persone per l'ambiente. Siamo arrivati alla conclusione che ognuno di noi non sta cercando di fare qualcosa di sbagliato, ma nel complesso abbiamo iniziato ad avere un impatto reale. Penso che il mio lavoro abbia riempito lo spazio là dove c'è un po’ di sollievo visivo. C'è una sorta di nostalgia in una certa misura, ma in un modo reale è una pietra di paragone per le cose a cui teniamo nella dimensione naturale. Ci ricorda la vita animale, ci ricorda un semplice rifugio, ci ricorda i tempi più semplici in cui sembravamo essere più in contatto con l'ambiente. Penso che il mio lavoro entri in gioco in questo contesto, trovando un pubblico che si trova al limite di queste preoccupazioni.''

Quali sono le dimensioni e i tipi di albero che solitamente utilizzi per la realizzazione delle tue sculture?

Gli alberelli che raccolgo vanno dalle dimensioni delle dita al polso, e li raccolgo pensando sia al colore, che alla flessibilità. Il salice è l’albero più adatto, ma uso anche acero, lo storace americano, l’olmo e la sanguinella. A volte uso specie più esotiche come il sassofrasso, il melo selvatico o i rami di alberi da frutto. In Giappone ho sperimentato il giunco, il bambù e alle Hawaii ho usato anche il Guayabita del Perú, noto anche come Strawberry Guava.

Oltre alla creatività, le tue sculture richiedono una notevole abilità tecnica. Quanto tempo ci vuole per costruire queste creazioni? Come vivi l'imprevisto? Un problema o un’opportunità?

Il mio trucco, se ne ho uno, è quello di collaborare con un'organizzazione e di usare il suo aiuto per la realizzazione della scultura. Ad esempio mi faccio aiutare da volontari per raccogliere il materiale e per la costruzione dell’opera. Generalmente sono circa cinquanta persone che, in turni da quattro, hanno un ruolo nello sviluppo del progetto che prevede tre settimane di lavoro complessive. L'equipaggio comprende ricchi e poveri, istruiti o meno, e persone di tutte le età. Potrebbe essere un hippie e un uomo d'affari che lavorano con una nonna e un liceale. Per un breve periodo di tempo, tutte queste persone si uniscono come ‘’lavoratori dei bastoni’’ e soddisfano alcuni dei loro impulsi più basilari per costruire. Ho imparato a lavorare in modo produttivo con un team al mio fianco, a ripartire il lavoro e ad essere incoraggiante. Mi piace dire che i bastoni sono stati il primo materiale da costruzione dell'umanità e anche l’uomo moderno continua ad avere una profonda affinità con essi. Detto questo, ogni giorno in loco è un evento per la risoluzione dei problemi. Un giorno l’impalcatura è in ritardo, il successivo i volontari arrivano in ritardo e, talvolta, la scorta di rami si esaurisce. Risolvere tutti i problemi di una costruzione è divertente. Diciamo che è normale amministrazione.

Negli ultimi trent'anni hai realizzato centinaia di opere che hanno ottenuto un grande successo a livello internazionale. Facendo un calcolo veloce e approssimativo, ci sono circa una dozzina di opere all'anno. Come mantieni questo ritmo creativo e operativo? 

Contando il lavoro più recente ad Atlanta, GA USA, ho realizzato 313 opere, ovvero una decina di lavori all'anno. Ciò significa dormire in molti letti diversi e l'usura del viaggio costante. Ma d'altra parte, ha significato conoscere decine di persone interessanti e di far incontrare all’arte molti nuovi amici. Mi sento privilegiato per aver avuto così tante grandi opportunità. Amo il mio lavoro.

Di solito pensiamo all'artista come ad un uomo/donna che lavora individualmente. Nel tuo caso, il coinvolgimento della comunità è fondamentale. In che modo l'inclusione dei volontari influisce sul progetto finale di una scultura? 

L'inclusione di volontari rende il processo di costruzione più divertente. I volontari portano le loro peculiarità e le storie delle loro vite. Sono un ponte per la comunità più ampia. Chiamano il giornale e invitano i propri amici per una visita. Danno una spinta alla costruzione, aggiungendo i rami/bastoni necessari. La costruzione della comunità non è lo scopo dell'impegno del volontario, ma spesso inavvertitamente si formano molti legami e ci sono molti vantaggi secondari nel chiedere alle persone di aiutare con il progetto.

La partecipazione e il coinvolgimento dello spettatore sono le caratteristiche peculiari dell'arte contemporanea. Quali livelli di interazione vuoi raggiungere con le tue opere? Credi che ci sia consapevolezza da parte del pubblico dell'aspetto partecipativo/attivo dell'arte?

Mi sforzo di rendere disponibile al pubblico il processo di costruzione, così come la scultura finita. Il dramma della costruzione e il fatto che gli spettatori indovinino il risultato aumenta l'eccitazione. Se qualcuno ha una domanda, è libero di farsi avanti e chiedermelo. Penso che questo tipo di apertura abbatta alcuni dei preconcetti e del risentimento che alcuni elementi della popolazione hanno verso gli sforzi degli artisti. L'obiettivo è incoraggiare il pubblico a godersi l'arte, rendendo la visione il più semplice possibile.

Pensando alle prime forme dell'arte nella preistoria - ad esempio i graffiti paleolitici di Lascaux e Altamira - è subito chiaro che il rapporto dell'uomo con la natura è una questione diretta e primordiale, indissolubilmente legata al fattore artistico. La necessità di esprimere la propria concezione di esistenza attraverso disegni, graffiti e incisioni aiuta l'essere umano a spiegare non solo i fenomeni naturali più immediati, ma anche la sfera magica. La dimensione magico-spirituale è presente nelle tue opere?

Penso che un'esperienza scultorea possa essere curativa e trasformativa. Per quanto riguarda le sculture di alberelli, i bambini dimostrano di avere una grande fantasia, vedendo il ramo come un oggetto immaginativo. Un bastone può essere un castello, un'arma o uno strumento musicale. Chi può negare la magia in un nido di uccelli o l'intrigo di guardare lungo un sentiero illuminato dal sole che si snoda attraverso una foresta? C'è il mitico primo bacio sotto il cespuglio di lillà e la tradizione di un albero speciale. Usare questo materiale in modo provocatorio offre allo spettatore un'esperienza metafisica.

Gli antichi parlavano di mimesi, o arte come imitazione della natura. Le tue sculture sono inserite in vari contesti, dai parchi, alle gallerie d'arte, ai contesti urbani. Hai voglia di riportare l'antico concetto - di derivazione classica - di Bellezza in questi spazi?

Il mio lavoro gioca spesso con la fusione tra architettura e forme naturali. Nell'opera appena completata ad Atlanta, GA USA, la scultura appare come una sorta di boschetto architettonico che riflette le cime delle scale dei grattacieli vicini. In un primo lavoro chiamato Sittin’ Pretty, ho provato a costruire il tempietto di Bramante con alberelli di acero locale. Ho fantasticato che Bramante derivò la sua teoria della proporzione perfetta, osservando i cespugli nel suo giardino.

Viviamo nell'era dei cosiddetti nativi digitali. Che effetto hanno i tuoi lavori sui giovani? Credi che esista ancora un dialogo tra natura e uomo contemporaneo?

La necessità di un momento a contatto con il mondo naturale è essenziale per tutti. Lavoro per molti giardini botanici e sempre di più questi luoghi verdi sono diventati il sostituto degli abitanti delle città che non hanno alberi o cortili propri. Fare una passeggiata tra gli alberi o ammirare l'oceano, credo, rimanga essenziale per la condizione umana.

Molte delle tue opere sono ispirate da varie culture, come la cultura greca, celtica o dei nativi americani. Quanto è importante la conoscenza delle altre culture?

Il subconscio umano è un luogo grande e contiene immagini tremolanti sia antiche, che attuali. Credo che ogni uomo contenga un po’ di tutti noi. Ogni cupola architettonica che sia mai stata immaginata, può essere facilmente reperita unendo le punte delle dita e regolando la forma delle tue mani. Credo che la mente umana contenga una conoscenza comune e che le persone creative riescano a goderne in parte.

Credi che il viaggio, inteso come esplorazione non solo di un luogo, ma come scoperta o riscoperta di un insieme di patrimoni umani, possa essere un buon modo per coltivare la nostra identità?

Ho sentito spesso dire: "Perché reinventare la ruota?" Ma come artista, trovo che lo sforzo di riesaminare ciò che pensiamo di sapere, spesso produca varianti nuove e più interessanti. Per me è chiaro che riesaminare il limite di ciò che sappiamo è sempre fruttuoso.

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Ringrazio Patrick Dougherty per aver accettato il mio invito e per averci dato la possibilità di entrare – purtroppo solo virtualmente – nei suoi capolavori botanici. Per chi volesse consultare il programma completo delle installazioni di Dougherty previste per il 2021 e seguire tutti suoi progressi, può visitare il sito stickwork.net alla pagina news.

Nella prossima intervista cambieremo completamente registro e contesto. Lasceremo i boschi incantati del mondo della land art per entrare nel cuore dell’Armenia, terra di una cultura millenaria. Vi racconterò la storia del ventiduenne Mher Potoyan, un giovane suonatore di kamancheh che ha perso la vita durante i recenti combattimenti nel Nagorno-Karabakh.